Les damos algunas recomendaciones para que puedan pasar la cuarentena lo mejor posible, refrescando sus mentes en una ola de libros, obras de teatro, películas y series.
Santos Locos Editorial de Poesía envia regalos a sus suscriptores para hacer llevadera la pandemia, acá pueden descargar La respuesta, libro que reúne a 18 poetas argentinos.
Reseña teatral de La Savia, de Ignacio Sánchez Mestre
por Lara Salinas
Fotografías por Mauricio Cáceres.
En el aislamiento, viene bien pensar en el día que podamos encontrarnos. Confío en que, antes que nos demos cuenta, vamos a poder volver a abrazarnos y nutrirnos de los otros, del teatro: La savia, de Ignacio Sánchez Mestre, puede ser un gran aperitivo. Seguir leyendo “Teatro: La savia”
Reseña teatral: Lo que quieren las guachas, de Mariana Cumbi Bustina
por Julieta Rimoldi García
Haciendo referencia a la canción de cumbia Tengo todo lo que quieren las guachas de Lore y Roque Me Gusta, la obra maneja el lenguaje adolescente y conoce sus códigos. A través de diferentes situaciones sociales donde se chocan los dos prototipos de clases ─la alta y la baja─, se puede ver las dos caras de un mismo problema que nos involucra a todos como sociedad: cultura, educación y políticas de salud pública. El contexto social argentino ayuda a entender dónde se ubican estos personajes, con una lucha constante por que se legalice el aborto y sea seguro y gratuito, la obra refleja e ilustra la importancia de este derecho y sus consecuencias. Seguir leyendo “Teatro: Lo que quieren las guachas”
Estamos frente a tres historias entremezcladas: la aventura en una nave espacial, la investigación de un asesinato y el encuentro de dos vecinos primera vez. El policial, la ciencia ficción y el realismo confluyen y nos mantienen alerta para tratar de descubrir, como detectives, qué está pasando y, como astronautas, dónde estamos. Seguir leyendo “Teatro: Sol Negro”
Salvadora Medina Onrubia vuelve a la vida. En un minucioso trabajo de recuperación documental, Andrea Ojeda, Gilda Sosa y María Victoria Felipini ofrecen a los espectadores una puesta en escena sorprendente que nos acerca a esta escritora de principios de siglo XX, prácticamente desconocida en la actualidad, a diferencia de su amiga la poetisa Alfonsina Storni: mujeres que cuestionaron enardecidamente las costumbres burguesas y conservadoras de la sociedad porteña.
Formar parte de un canon literario es desafiar a la muerte, es adoptar cierta forma de inmortalidad. Este fue un goce que a Salvadora le negó la historia, presumiblemente por sus contradicciones más superficiales: fue vocera de los reclamos de los trabajadores siendo la dueña de un periódico; era ferviente defensora del amor libre, aunque formó una familia tradicional; injustamente, pasó a la historia como la militante anarquista y millonaria que llegaba a las manifestaciones en su Rolls-Royce.
En cada función, Andrea, Gilda y María Victoria le dan vida a Salvadora a partir de los elementos que, un siglo después, testimonian su existencia: libros con sus obras teatrales y poesías, fotografías, recortes de diarios, cartas y accesorios empolvados por haberlos olvidado y descuidado tantos años. Acercan a los espectadores que no están familiarizados con esta fantasma vida y obra de quien quiso ser mucho más que un bello adorno: “Somos las que sufrimos y nos revelamos a nuestra condición estúpida de muñecas de bazar. Saber ser mujer es admirable y nosotras solo queremos ser mujeres en nuestra espléndida feminidad”, escribió en una oportunidad.
En el teatro, uno de los territorios en los que Salvadora desplegó su creatividad, las actrices se donan en cuerpo y alma para que nos enamoremos, una vez más, de una mujer increíble e inmerecidamente desconocida.
Actualmente “El caso de la mujer que no quiso ser un jarrón” se presenta en El Astrolabio Teatro del barrio Villa General Mitre (CABA), pero a partir de julio la obra estará de gira por el noroeste argentino en San Miguel de Tucumán, Salta, Jujuy y Catamarca. ¡No se la pierdan!
Funciones: domingos, 20 hs. Lugar: El Astrolabio Teatro (Terrero 1456, CABA) Entradas: $300-. | Desc. estudiantes y jubilados $200 | Promo compra anticipadas 2 x $500 en alternativateatral Informes y reservas: 4581-0710 | elastrolabioteatro@gmail.com
Ficha técnica Dramaturgia: Andrea Ojeda, Gilda Sosa, María Victoria Felipini Elenco: María Victoria Felipini, Gilda Sosa Vestuario: Julieta Fassone Escenografía: Walter D. Lamas Pelucas: Jorge Palacios Música: Susana Ratcliff Edición de sonido: Susana Ratcliff, Gilda Sosa Diapositivas y diseño gráfico: Gilda Sosa Voces en Off: Jorge Capussotti, Diego Cazabat, Hugo De Bernardi, Guillermo Gaciobaquiola, Patricio Villanueva Operación técnica: Vicky Balay – Julieta Cazabat Fotografía: Mariana Sánchez Video: LEEK Productora Audiovisual Redes: @salvadorateatro Prensa: Octavia Comunicación Compañía Vértigo Enero Dirección general: Andrea Ojeda
Lara Salinas (1989, Buenos Aires) es Profesora y Licenciada en Letras de la UBA. Estudió Producción Cultural y formó parte de diferentes proyectos artísticos como productora. Trabaja como bibliotecaria y escribe crítica de cine y teatro.
Foto de Marcelo Zappoli, “Lo único que quiero es bailar” (Josefina Gorostiza)
Los vecinos del Abasto prepararon una serie de espectáculos en sus casas, lugares de trabajo y las calles del barrio. Este evento formó parte del FIBA 2019, un festival teatral que sucedió a fines de enero y se extendió durante el mes de febrero. Bombón Vecinal se caracterizó por la creación de diversas propuestas a partir de su locación un sitio específico y las búsquedas formales entre diferentes lenguajes artísticos. Cada propuesta duró aproximadamente media hora, como para –como si fueran bombones– degustar más de una por noche.
Uno de ellos, “Lo único que quiero es bailar” de Josefina Gorostiza, se situó en el estudio fotográfico de Marcelo Zappoli, quien también para este ciclo realizó un álbum de fotos en el que reflejó la vida puertas adentro de sus vecinos. En medio de las luces de neón de su estudio, ocho mujeres de la cuadra se presentaron bailando y, a medida que transcurrió la media hora que duró la función, cada una esbozó su personalidad al son de los ritmos que ofreció Vero Gerez. Conocimos en fragmentos sus gustos y disgustos, sus miedos y sus historias. Algo de hipnótico hubo en ver mujeres tan distintas entre sí ofreciéndose como lo hicieron, disfrutando el momento, compartiendo sus tristezas y contagiando la alegría que traían a cuestas.
Una propuesta completamente diferente fue el circuito a pie “Zoraida, la reina del abasto” de Mariano Stolkiner. Zoraida Saldarriaga actualmente trabaja como personal de limpieza en el teatro El Extranjero, de la calle Valentín Gómez. Por medio de grandes auriculares luminosos, conocimos un tiempo particular en su vida, cuando llegó de Colombia, se enamoró y desenamoró en los distintos lugares del barrio. En la caminata, el grupo paró en diferentes espacios que marcaron un antes y un después para ella. Los amores terrenales y divinos confluyeron con naturalidad en su relato, acompañados también por la música de su país y su comunidad. Los que asistimos tuvimos la posibilidad de elegir a dónde dirigir nuestra atención o a quiénes observar en cada una de nuestras paradas, lanzarnos miradas cómplices e intercambiar emociones solo con nuestra postura corporal: las palabras de Zoraida nos volvieron una suerte de actores involuntarios.
Foto de Lau Castro, “Lo único que quiero es bailar” (Josefina Gorostiza)
Otro lugar donde el amor estuvo presente fue en cada una de las canciones que se escucharon en el taller mecánico de Pini (Marcos López). Ahí el dueño manejó un karaoke y convidó pizza, gaseosa y vino a quienes quisieron quedarse a bailar y a los que se animaron a cantar.
De este ciclo también participaron “La mujer que soy” de Nelson Valente, “La vespertina” de Romi Sak y Natalia Chami, “¡Cuidado! Estamos trabajando en el Abasto” de Helena Tritek y Norma Aleandro, “Cómo explicar el arte a una liebre muerta en 2059” de Rodrigo Arena y “No tengas miedo no” de Moro Anghileri. Las entradas para las distintas propuestas de Bombón Vecinal fueron gratuitas; muchos de quienes no llegamos a verlas todas estamos a la expectativa de que llegue marzo para saber si el ciclo continúa el mes que viene.
Lara Salinas (1989, Buenos Aires) es Profesora y Licenciada en Letras de la UBA. Estudió Producción Cultural y formó parte de diferentes proyectos artísticos como productora. Trabaja como bibliotecaria y escribe crítica de cine y teatro.
Volver es una acción muy fuerte, está plagada de emociones y conlleva una carga. Aquel que alguna vez “volvió” puede entenderlo. En este caso, dos hermanos se reencuentran luego de que uno de ellos pasara un tiempo en el psiquiátrico. El que vuelve a la casa familiar es Felipe, ahí se encuentra con su hermana y Daniel, su cuñado. El encuentro es emotivo, el pasado se hace presente, lo que pasó se va develando de a poco. Percibimos la tensión entre lo conocido y lo ajeno, el personaje de Daniel propone un cierto equilibrio, él va descubriendo la historia familiar al mismo tiempo que el espectador.
Se trata de una comedia negra, humor y dolor tienen la misma intensidad. A partir de la llegada de Felipe se va desplegando la parte oscura de cada uno. En principio el tema de la locura parece ser tratado de manera superficial, desde un punto de vista cómico, pero después la cosa se va poniendo densa. ¿Felipe está recuperado? ¿Es un tipo lúcido de una extrema sensibilidad? ¿Es un psicótico sin cura? ¿Quién es realmente su hermana y qué hace con Daniel? Podría decirse que todas estas preguntas tienen respuesta, ningún misterio yace oculto.
La historia se desarrolla con una escenografía mínima, apenas un sillón y una silla. Las actuaciones de Paula Pichersky, Manuel Attwell y Julián Cabrera así como la dirección de Santiago Gobernori son impecables, lo que nos demuestra que con muy pocos elementos se puede construir un mundo. En pocas palabras es una obra que cierra por todos lados, de esas que se recomiendan.
POBRE DANIEL Actúan: Paula Pichersky, Manuel Attwell, Julián Cabrera. Asistencia: Ariel Bar-On. Escenografía: Vera Arico. Luces: Ricardo Sica Escrita por: Santiago Gobernori en colaboración con los actores y el asistente. Dirige: Santiago Gobernori.
FUNCIONES SABADOS 23 hs. Club de Teatro Defensores de Bravard, Gurruchaga 1113 Localidades $180 cada obra. Para los dos espectáculos $300 total. Reservas en reservasbravard@gmail.com
Isabel Lacatol (1984, Santa Cruz) Es Profesora de Filosofía y Diplomada en Gestión Cultural. Trabaja como docente, prensa y comunicación.
Ciertamente, hay placer en ver una obra teatral en la que ya sabemos lo que va a pasar.
El mismo día del aniversario de la muerte del Che Guevara, Lanusse –durante su presidencia de facto– prepara la fiesta de casamiento de su hija y un cantante internacional. Mientras tanto, los dueños de La Opinión, el incipiente diario con pretensiones socialistas de Recoleta, deben decidir si negociar con él por la distribución de los periódicos y la pauta publicitaria. Esto ocurre seis años antes de que su director, Jacobo Timerman, repudiado tanto por la derecha como por la izquierda, fuera secuestrado por un grupo paramilitar. No es un dato menor que el padre de la directora y dramaturga (Ricardo Halac) haya sido periodista en esta editorial, y la familiaridad que la autora tuvo con ese mundo se traslade de los personajes hacia los espectadores.
Se ilumina la escena en 1971, “un período de transición” representado por un camino angosto cercado por endebles vallas de seguridad. La casa de Olivos, la redacción del diario y los personajes que las habitan coexisten en el mismo espacio de la escena.
Lejos estamos de encontrarnos con un teatro pedagógico que sirva para ilustrar una clase de Historia. El análisis político está a cargo del espectador, a su libre interpretación. Principalmente en esta propuesta podemos mirar a los personajes de la historia desde la óptica del arte, ir a la escena sabiendo qué va a pasar y reencontramos con el motivo por el cual muchos nos habíamos enamorado del teatro en primer lugar: disfrutar de un relato bien contado.
Ficha técnico artística
Timerman
Centro Cultural General San Martín – Sarmiento 1551 (CABA)
Viernes y sábado 20:30 hs.
Texto: Eva Halac
Actúan: Guillermo Aragones, Juan Pablo Galimberti, Cristian Majolo, Mucio Manchini, Leonardo Murúa, Gregorio Scala, Carlos Scornik
Actores reemplazo: Ian Guinzburg
Músicos: Gustavo García Mendy, Juan Sevlever
Vestuario: Micaela Sleigh
Escenografía: Micaela Sleigh
Iluminación: Miguel Solowej
Música original: Gustavo García Mendy
Diseño gráfico: Andrea Torti
Asistencia de escenografía: Merlina Garcia Brunelli
Asistencia de vestuario: Merlina Garcia Brunelli
Asistencia de dirección: Jennifer Aguirre Woytkowski
Producción ejecutiva: Rocío Gómez Cantero
Dirección: Eva Halac
Duración: 75 minutos
Lara Salinas (1989, Buenos Aires) es Profesora y Licenciada en Letras de la UBA. Estudió Producción Cultural y formó parte de diferentes proyectos artísticos como productora. Trabaja como bibliotecaria y escribe crítica de cine y teatro.
Trampa para fantasmas es un espectáculo de danza/teatro creado por los fundadores del grupo Krapp, Luciana Acuña y Luis Biasotto. Se trata de un evento artístico en el cual los cuerpos se disponen a componer un imaginario variado, la constante que los nuclea tiene que ver con la idea de peligro.
Algo está al acecho, aparece el miedo y cómo hacerle frente a ese sentimiento. No hay una narrativa lineal, los momentos se suceden por asociación, los cuerpos se lanzan en un decir que a simple vista es confuso. La infancia, los shoppings, los paracaidistas, la primavera, los bosques, los monstruos o fantasmas, todas estas imágenes componen un universo regido por una sensación de peligro o fatalidad. Quizás se asoma alguna idea apocalíptica en la percepción de la fragilidad de esos cuerpos.
Como explican sus creadores “la forma más sencilla para lograr ocultarse de los enemigos es mantenerse inmóvil, tratar de no respirar. Seres que esperan, que se mueven lento y calculan cada paso. Quizás algún imaginario de la guerra, de la naturaleza, de la disolución del cuerpo o del advenimiento del caos. Todo es parte de una gran confusión, de una sensibilidad graciosamente rota y despiadada. De este modo, la tragedia resulta absurda e inevitable y puede tornarse fantásticamente truculenta”.
El lenguaje expresivo, la delicadeza visual y la potencia de los intérpretes es algo a destacar en la obra. También la elección del vestuario y el minimalismo escenográfico. Todo confluye en reforzar la idea de lo importante que es resguardarse del peligro.
Ficha técnica
Intérpretes: Milva Leonardi, Alejandro Alonso, Francisco Dibar, Quillén Mut Cantero, Ana García.
Asistencia: Paula Russ / Carolina Basaldúa
Música: Gabriel Chwojnik
Iluminación: Matías Sendón
Arte: Mariana Tirantte
Video: Alejo Moguillansky
Fotografía: Agustin Mendilaharzu
Post producción Fotográfica: Inés Duacastella
Realización: Julio Sosa
Producción: Gabriela Gobbi
Dirección: Luciana Acuña y Luis Biasotto
Luciana Acuña y Luis Biasotto son fundadores del Grupo Krapp que dirigen desde 1998. Además han desarrollado numerosos proyectos junto a otros artistas como Carmen Baliero, Alejo Moguillansky, Gabriel Chwojnik, Mariano Pensotti, Lola Arias, entre otros. Sus obras han sido presentadas en festivales y teatros de nuestro país, América Latina, EE.UU. y Europa. Son docentes de las cátedras Taller coreográfico y composición coreográfica V y VI en el Instituto Universitario de Arte (UNA).
ESTRENOSABADO 22 de SEPTIEMBRE, 23 hs
Funciones Sábados a las 23 hs, hasta el 3 de noviembre inclusive
“¿Vos entendiste la obra?” le pregunto a mi amiga. No me mira, pero me contesta: “No sé si había que entender algo”. Esa noche le había pedido que me acompañe a Palermo a ver La verdad efímera al Teatro Defensores de Bravard, un espacio que pareciera que se subleva contra la idea mercantilista del mundo del espectáculo de ofrecer productos apacibles que convoquen al público; en cambio, tensiona y suma una experiencia distinta, disruptiva, al panorama teatral contemporáneo en medio de una cultura racional y utilitarista. En eso está su atractivo, en la búsqueda genuina de experimentar nuevos lenguajes teatrales que generan, indefectiblemente, confusión. Se trata de una puesta en escena de probablemente 17 personajes representados por solo dos actrices. Al mismo tiempo o en distintos momentos, casi todos ellos habitan la misma casa.
Dos hermanas que trabajan en un circo, dos millonarias que organizan orgías, dos actrices que ensayan una obra en la que son amantes, dos amantes que son compañeras de trabajo, dos compañeras de trabajo en tensión, dos esclavas que lo pierden todo, dos agentes de prensa obsesionadas por juntar likes, dos mujeres perdidas en una realidad alterna y un enano de circo: gracias al trabajo de dirección (Santiago Gobernori) y al desarrollo exhaustivo de su oficio, las actrices (Victoria Baldomir y Sabrina Zelaschi) les dan identidad a esos personajes, fraccionan cada una de sus historias y permiten que se contaminen mutuamente, que se toquen levemente o se mezclen entre sí.
El temple frente a la exigencia performática que mantienen durante toda la función, el amor y la confianza que hay entre ellas y hacia la puesta en escena que las reúne en esta oportunidad son hipnóticos. Sin necesidad de prácticamente nada más que sus cuerpos, lo hacen todo. La puesta en escena podría funcionar perfectamente desprovista de efectos de sonido e iluminación, vestuario, la utilería y la escenografía que se emplean salvo por pocos objetos, como el sillón que se encuentra al fondo, de espaldas al público que –en esta propuesta– es imprescindible para darle verosimilitud a uno de los personajes o de la luz roja que funciona como indicador de extrañamiento. La velocidad con la que se avanza sobre la trama no da tregua salvo cuando el escenario es invadido por la luz roja. Con ella, se indaga en la ralentización de movimientos: como si estuvieran en una realidad alterna, las actrices juegan con los ecos, las dimensiones de sus cuerpos y la fuerza de gravedad.
Debo decir que durante La verdad efímera, estuve en problemas: no tenía ni idea cómo interpretarla ni mucho menos cómo explicar qué estaba pasando; lo que hice hasta ahora no le hace juicio a lo que realmente ocurre en escena. El ritmo vertiginoso de la puesta demanda una atención constante que es difícil de sostener. Sin embargo, las dificultades que se le presentan al espectador pueden llegar a ser su atractivo secreto: la mínima distracción lo pierde, pero surte un efecto visceral desconocido que, con las horas, los días y las semanas que le siguen a la experiencia, hace que se siga pensando en lo que no se comprendió del todo. Es una de las consecuencias del enamoramiento y una de las razones por las que vale la pena ir al teatro: no para divertirse un rato ni distraerse, sino para descubrir nuevas formas de mirar y de apreciar lo que tenemos enfrente porque, como dijo mi compañera: “No sé si había que entender algo. No sé si el arte, la vida, está para eso”. Aunque lo haya dicho como una obviedad, para mí es una epifanía.
Ficha técnico artística
La verdad efímera
Teatro Defensores de Bravard – Gurruchaga 1113 (CABA) Sábado 21 hs.
Dramaturgia y Dirección: Santiago Gobernori
Actuación: Victoria Baldomir, Sabrina Zelaschi
VestuarioyEscenografía: Estefanía Bonessa
Diseño de luces: Ricardo Sica
Fotografía: Martín Romero
Diseño de imagen: Lucía Vanin
Asistencia de dirección: Natalí Lipski
Prensa: Cecilia Gamboa
Lara Salinas (1989, Buenos Aires) es Profesora y Licenciada en Letras de la UBA. Estudió Producción Cultural y formó parte de diferentes proyectos artísticos como productora. Trabaja como bibliotecaria y escribe crítica de cine y teatro.
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